Nessas últimas semanas andei lendo muitos artigos referentes ao Ano de 68, mais precisamente a Maio de 68. Nessa semana que passou, acabei ganhando os dois livros do Zuenir Ventura: “O Ano que não Terminou” e “O que Fizemos de Nós”. Em ambos os trabalhos, Zuenir, um grande pesquisador dessa época e também um Jornalista de renome no Brasil, contextualiza os acontecimentos que fizeram do ano de 68 um marco. Não apenas do que aconteceu aqui no Brasil, mas principalmente na França, palco de muitas greves estudantis e muita luta. “O Ano que não Terminou” funciona como uma segunda parte do livro que ele escreveu há quarenta anos atrás, dessa vez contendo relatos de outras pessoas que o Jornalista entrevistou durante esse tempo em que ele esteve em constante pesquisa sobre a influência daquele ano nos dias atuais. Assim, “O Ano que não Terminou” acaba sendo uma obra contemporânea para os relatos que foram feitos por Zuenir Ventura em “O que Fizemos de Nós”.

O ano de 68 foi, por assim dizer, um momento em que todos estavam insatisfeitos, principalmente a classe juvenil. Alguns caracterizam o que aconteceu naquele ano como uma “espécie de furacão humano”, em que uma generalizada e estridente revolução estava varrendo o mundo. O filósofo Jean-Paul Sartre, por exemplo, que vivenciou essa época, ficou por muito tempo pensando em tudo aquilo que tinha acontecido em Paris, em todas as transformações que aquela geração propiciou. Apenas os que realmente viveram nesta época, sabem o real significado do que foi aquela maré revolucionária, começando na capital francesa, passando por toda a Europa e chegando até Recife. É até mesmo difícil interpretar o que de fato aconteceu naquele momento, porque haviam combates de rua entre estudantes, operários e policiais, enquanto que também existia um grande diálogo que borbulhavam nos centros universitários e faziam crescer espíritos de lideranças estudantis para lutar contra aquilo que eles acreditavam ser ruim.

Além disso, vale relatar que o ano de 68 se deve também a uma reação extremada juvenil às pressões de mais de vinte anos da Guerra Fria, mas também uma rejeição aos processos de manipulação da opinião pública, em que a mídia atuava como aparelhos ideológicos. Sem contar que 68 foi o ponto de partida para que houvessem transformações políticas, éticas, sexuais e, principalmente, comportamentais, que afetaram não somente a sociedade daquela época, mas também a sociedade que se tem hoje. Movimentos feministas, organizações não-governamentais (ONGs) e dos defensores das minorias dos direitos humanos, tudo isso estava impregnado naquele ano que, para alguns, é tido como mágico.

O Ano de 68 não é feito apenas de “coisas boas”. É verdade que foi um momento revolucionário, mas foi com ele que as drogas começaram a tomar lugar. Dizer que esta foi a “herança maldita” deixada pelo ano de 68 não é nenhum absurdo. Grande parte daquela juventude militante se refugiava no consumo constante de drogas ou escolhiam a estrada da violência, da guerrilha e do terrorismo urbano. São fatos muito bem retratados em dois filmes franceses: Amantes Constantes (Les Amants Réguliers, 2005), dirigido por Phillipe Garrel, que relembra de uma maneira mais real e crua os eventos de Maio de 68 e de como os estudantes se organizavam para protestar, utilizando um romance como pano-de-fundo. O filme, totalmente em preto-e-branco como uma expressão estética da época, é um dos poucos filmes que conseguiram recriar aquela época. A visão imposta por Garrel é muito diferente daquela de Bernardo Bertolluci, que impõe um romantismo sem um aparente significado dentro de um tema tão importante em seu longa Os Sonhadores, apostando basicamente na nudez de Eva Green, tornando-se uma obra completamente vazia e sem o debate que o tema propicia.

No entanto, este artigo não tem a vontade de exprimir um desejo de que se volte para aquela época ou que nós possamos viver algo parecido nos dias atuais. Sempre escuto alguns colegas reclamando de que hoje as pessoas são acomodadas e eles sempre se voltam para o Ano de 68 como uma fonte de inspiração, ou como uma forma de chamar a atenção para uma juventude que era engajada em temas políticos. A verdade é que não podemos nos esquecer que os tempos são outros. O mundo, decerto, não passa por nenhuma transformação como aquela ou por nenhum momento mágico como aquele. O que existe hoje para se lutar? O que existe para se combater? A sociedade do ano de 2008 é completamente diferente da sociedade do ano de 1968, e isso é algo que não podemos deixar de citar.

Atenção: os próximos parágrafos contém spoilers

Título: There’s no Place Like Home (Pt. 2 e 3)
Temporada: 04
Episódio: 13-14
Data de Exibição: 29/05/08
Emissora: ABC

A espera chegou ao fim. Finalmente foi exibido a season finale de Lost. Passar duas semanas esperando por este momento, cria uma apreensão e uma ansiedade ainda maior para saber o desfecho dessa temporada, que conseguiu levantar a série, enchendo os telespectadores de perguntas mas, ao contrário dos outros anos, nos mostrando respostas, desfechos e resolução de muitos mistérios que ainda estavam escondidos. E a Ilha, inclusive a série, sempre criando novidades, se reinventando, fazendo os telespectadores ainda se entusiasmarem e ficarem perplexos com um roteiro tão bem escrito, bem arquitetado e, mais do que isso, um roteiro organizado.

A verdade é que Lost não resolveu criar histórias confusas para esse final e isso talvez não tenha agradado muito os fãs acostumados com aqueles season finales que carregasse o estilo da terceira temporada. E a grande diferença entre as duas, além da regularidade desta em relação a anterior, é que a série deixou apenas a história seguir, mantendo o que seria óbvio, mas ressaltando uma intensidade muito marcante ao longo dos oitenta e quatro minutos que marcaram esse episódio final. Vale dizer que o programa nos deu muitas respostas, algo que não era comum anteriormente. Claro que elas [as respostas] eram dadas, mas muitos outros questionamentos eram colocados em pauta. Ficamos por muito tempo escondido entre os mistérios da Ilha e dos seus personagens e, agora, estamos diante de uma explicação para tudo que está acontecendo, ou quase tudo.

Lembro que no final da 3ª temporada, as últimas palavras de Jack naquele episódio maravilhoso foram “nós temos que voltar”. Naquele flashforward era visível e óbvio que eles haviam saído da Ilha, porém ainda não sabíamos como. No início desse episódio-duplo que fecha o arco deste 4° ano, temos a conclusão daquele diálogo entre Jack e Kate, já criando a dramaticidade que findou como característica marcante desse final de temporada. Além disso, a resposta para o corpo que estava dentro daquele caixão visitado por Jack já pode possuir uma identidade: Jeremy Bentham. E a perplexidade é maior quando descobrimos a real identidade de Jeremy Bentham e, logicamente, a pessoa no caixão: se trata de John Locke. Jack ficou por muito tempo pegando vôos da Oceanic para tentar cair na Ilha novamente. Mas a Ilha não deixará apenas que ele volte. Para que isso ocorra, todos que saíram precisam voltar, assim explica Ben.

E todo o episódio foi feito por cenas marcantes. O que dizer da decisão de Sawyer de pular do helicóptero para que os seus amigos pudessem sair da Ilha? O que foi que ele disse para Kate antes de tomar aquela decisão? E o que dizer do momento em que o cargueiro explode, da dramaticidade que a personagem de Sun imprimiu a cena e o impacto que aquilo causa ao telespectador? E o que dizer do encontro entre Sun e Charles Widmore? Ou do romantismo quando Desmond finalmente reencontra Penny?

E tiveram tantas outras cenas que eu poderia listar aqui e dizer o sentimento que tive para cada uma delas. Decerto, essa idéia de mover a Ilha ainda me soa um pouco tanto estranha, é difícil de compreender e de querer acreditar. Mas é disso que Lost é feito e todos que assistem sabem que podem ser surpreendidos a cada momento, a cada episódio. A verdade é que tudo estava conectado, tudo estava planejado. E se talvez não foi um capítulo genial, foi uma season finale digna de Lost. E sabem o que é pior nisso tudo? Ter que esperar até o ano que vem para que a série volte.

Acabei de receber a confirmação de que as inscrições para o Festival do Vídeo Brasileiro, realizado dentro do Festival de Gramado, estão abertas. Daniel Bertolucci, Coordenador do Gramado Cine Vídeo, acabou de me mandar as informações por email, então, estou repassando para aqueles que tiverem interesse de inscrever algum projeto no Festival. Antes de fazer as inscrições, é bom dar uma lida no regulamento para que não seja surpreendido com alguma possível desclassificação ou algum problema referente à exibição do vídeo no Festival de Gramado e também na competição do Gramado Cine Vídeo. Portanto, tudo está esclarecido logo abaixo:

“Já estão abertas as inscrições para o Festival do Vídeo Brasileiro, realizado pelo 16º Gramado Cine Vídeo, considerado um dos mais importantes e disputados eventos festivais do Audiovisual Brasileiro.

As categorias competitivas são: Vídeo Independente Brasileiro, Vídeo Universitário Brasileiro, Vídeo Televisão Universitária Brasileira e Vídeo Universitário Gaúcho.

O Regulamento Oficial da competição e as fichas de inscrição poderão ser acessados em www.gramadocinevideo.com.br, sendo que as inscrições deverão ser realizadas através da página oficial do evento na internet.

Em breve estaremos completando a atualização do site, com as informações sobre as atividades que integrarão a programação oficial 2008 do 16º Gramado Cine Vídeo, Cine Social e Cine Ambiental.”

Dirigido por Barbara Kopple. Com: Anne Hathaway, Bijou Phillips, Shiri Appleby, Michael Biehn, Joseph Gordon-Levitt, Matt O’ Leary (Havoc, 2005)

Garotas sem Rumo já começa com uma história trágica muito antes de ter sido lançado em 2004. Jessica Kaplan, a roteirista original do filme, faleceu devido à queda de um pequeno avião que era pilotado pelo seu tio. Este evento ocorreu pouco antes das filmagens começarem e por isso a dedicatória quando os créditos sobem. Com a tragicidade em foco, Garotas sem Rumo até tenta mostrar uma realidade dos adolescentes, mas exagera um pouco no peso de algumas cenas e em um roteiro que não causa impacto, e nem chega a atingir um clímax merecido, com um desfecho que pudesse salvar o filme.

O longa foi dirigido por Barbara Koople e conta a história de duas jovens ricas e bonitas que, entediadas com o modo de vida que estavam levando, acabam procurando aventuras no centro de Los Angeles, um lugar completamente controlado pelos latinos e com grande movimentação do tráfico de drogas. Nesse ambiente, elas tentam ser integrantes de uma gangue para tentarem seguir um estilo de vida diferente. Isso é algo muito comum na adolescência. Os jovens estão sempre procurando novas experiências, principalmente os ricos. Estes, por mais que tenham bastante dinheiro, são os responsáveis pelas mudanças drásticas que fazem durante esta fase, que é até mesmo chamada de conturbada pelos especialistas por motivos óbvios.

O roteiro escrito por Jessica Kaplan, que ganhou a colaboração de Stephen Gaghan (vencedor do Oscar de Melhor Roteiro Adaptado por Traffic), tem um argumento muito interessante, que até faz com que o filme se torne mais interessante para assistir, porque ele nos apresenta um círculo de histórias que já estamos cansados de ver, sem muita originalidade. A ousadia até tentada, mas sem sucesso, acaba se esbarrando nas próprias limitações das atuações e do roteiro. Mas, enfim. O argumento de Gaghan remete para o que é real e o que não é. Na verdade, a vida que levamos (e me incluo nesse aspecto) não passa de uma farsa, visto que somos as cópias do que a televisão, do que a mídia, do que o capitalismo nos impõe para ser. Os adolescentes são pessoas completamente influenciáveis, por qualquer veículo de comunicação que seja. Obviamente que a televisão desempenha um papel muito mais importante nesse quesito, porque tem uma capacidade muito maior de manipulação.

Por essa razão, os personagens que são ditos principais, não passam de meros coadjuvantes para este blogueiro que vos fala. Na verdade, o personagem mais interessante de se observar é o Eric, porque ele se encaixa na lógica que tem o filme e na maneira como ele se atreve a contar a história. Eric fica o tempo todo com uma filmadora, e aproveita para captar outras versões das pessoas que moram no chamado lado burguês de Los Angeles. Assim, ele filma Alisson (Anne Hathaway) e descobre que ela é a pessoa mais solitária que ele conhece e que está tentando sempre se afirmar, jogando a culpa pelos seus fracassos em cima dos seus pais. Outra característica típica dos filmes desse gênero é mostrar em como uma família complicada e disfuncional influencia na educação e no crescimento dessea adolescentes. Eric contrapõe, por meio de uma metalingüagem até mesmo interessante para a obra, o real que está sendo contado por meio da sua câmera e a ficção que, na verdade, é o que estamos vendo, propriamente dito.

De qualquer maneira, Garotas sem Rumo tenta demais ser um filme diferente e ousado. E nessa de tanto tentar, acaba pecando em erros de outros filmes que buscam o mesmo entendimento que ele. Um exemplo claro disso está em Aos Treze, uma obra completamente descartável e que não expõe nada de novo. E vocês podem estar se perguntando: “tá, e o que tem de novo para mostrar em histórias como essa?” Realmente, poucas coisas. Decerto que alguns filmes conseguiram trazer histórias do gênero, não de maneira ousada ou diferente, mas criativa. Garotas sem Rumo tenta tudo isso. A diretora Barbara Kopple tenta desesperadamente causar um efeito diferente na sua filmagem, no seu modo de usar a câmera, tentando formalizar algo mais cru com relação aos focos, com as tomadas, mas não consegue obter o êxito necessário de ousadia e o diferencial que o filme tem como proposta.

Vale destacar, é claro, a atuação de Anne Hathaway. Ela até consegue em alguns momentos interpretações realmente impactantes, mas nada de excepcional. Assim como as garotas no filme estavam entediadas das suas vidas, eu já estava ficando da mesma forma na minha poltrona com um roteiro que nada me acrescentou. A discussão que ele gera até se torna interessante pelos motivos já citados, mas se espera muito mais de alguém como Stephen Gaghan, que escreveu a adaptação do excelente Traffic. As cenas pesadas de sexo que ele mostra não ajuda muito na crítica que ele tentava construir, retratando a decadência da juventude americana.

Dirigido por Kar Wai Wong. Com: Norah Jones, Jude Law, Rachel Weisz, Natalie Portman, David Strathaim. (My Blueberry Nights, 2007)

Costumo dizer que Kar Wai Wong é um cineasta diferenciado, um diretor que ainda preserva o que alguns chamam de arte cinematográfica, do cinema enquanto uma arte que pensa, que traduz em imagens o pensamento do seu realizador. Quando ele lançou Paixão à Flor da Pele, em 2001, Kar Wai passou de um cineasta com filmes cultos para um realizador que conseguia alcançar o grande público, mesmo possuindo certa resistência. Este filme de 2001, ganhador do prêmio de Cannes, é aquele que caracteriza praticamente toda a filmografia desse diretor: um misto de sensibilidade, com canções profundamente tristes e uma solidão expressa em meio ao ambiente que ele procura filmar.

Um Beijo Roubado, seu primeiro filme falado em Inglês e que marca também a estréia de Norah Jones como atriz, traz basicamente todos esses elementos e ainda algumas coisas que ele empregou no ótimo Anjos Caídos (1995) que, apesar de não ser considerado tão bom como os outros, é impossível não perceber o cuidado que Wai Wong tem com a sua produção, já começando por este longa. Um Beijo Roubado invoca de novo temas como a solidão, a desilusão amorosa, a busca por respostas, por significados. Porém, ele faz isso de uma maneira tão profunda que fica difícil não se emocionar com a intensidade com que o filme é conduzido, com que os atores atuam. A sua câmera funciona como um instrumento contador de histórias e é possível observar como ele persiste em manter a sua lente fora da trama quando, no início da projeção, a filmagem é feita praticamente pelo lado de fora, com um misto de cores e letras no vidro do café, com seqüências de travellings que traduzem essa sintonia.

Elizabeth (Norah Jones) está passando por uma desilusão amorosa: o seu namorado está ficando com uma outra pessoa. Ela, então, acaba deixando a chave do apartamento no café de Jeremy (Jude Law). Os dois começam a conversar naquele fim de noite de Nova York em que o frio e as ruas vazias são características marcantes da cidade. Elizabeth descobre que Jeremy também passou por uma desilusão amorosa e que já vivenciou várias, principalmente porque os seus clientes sempre acabam deixando chaves em seu café e ele as guarda, achando que um dia eles poderão voltar para buscar.

Nesses primeiros trinta minutos de projeção e de conversa, Wai Wong já nos apresenta o que será do seu longa: extremamente iluminado, com fortes tons de azuis, rosas, com uma maneira diferente de filmar, sem se preocupar com a forma correta, mas sim em transmitir a sua mensagem através das imagens em movimento de uma forma que possa ser contagiante. As primeiras cenas em slow motion começam a dar o toque romântico que o filme precisava e é uma técnica utilizada até o final, em cada cena, em cada momento. O mesmo slow motion, incomoda em alguns momentos, porque às vezes não conseguimos entender o motivo dele mover o seu filme lentamente nas faces dos seus personagens, na expressividade deles.

Beth, então, sai de Nova York e parte em uma jornada para entender a sua desilusão amorosa, encontrando outras pessoas no caminho que, de alguma forma, lhe ajudam a compreender o que ela está sentindo. Nesse meio tempo, ela permanece trocando cartas com o seu amigo Jeremy, informando como tem sido essa viagem, as pessoas que ela tem encontrado. E ela começa a perceber que todas as pessoas tem as suas desilusões e que elas acabam vivendo disso. Não precisa ser necessariamente envolvendo o amor, a paixão, mas qualquer outra coisa que possa criar solidão ou algum outro sentimento ruim. Ela começa a trabalhar em bares, cassinos e ao ouvir histórias e a se relacionar com certos personagens, ela percebe que todos estão atrás de respostas, assim como ela.

Leslie (Natalie Portman) demora para entrar em cena, mas acaba sendo um dos personagens mais importantes nessa caminhada. Primeiro porque ela ensina à Beth a nunca confiar nas pessoas, por mais que elas sejam amigas, deixando transparecer confiança. Segundo porque ela ajuda Beth a realizar um dos seus sonhos quando esta saiu de Nova York: comprar um carro. Vale ressaltar também que Wai Wong nunca coloca os nomes das cidades por onde o seu personagem principal passa, apenas informa a distância que ela está de NY e em quantos dias ela está fora.

Um Beijo Roubado tem o título de um filme romântico e tem tudo para ser, realmente. Porém, o fato de não conter beijos (até tem no final) ou sequer um “eu te amo”, acaba soando muito mais real que outros filmes do gênero, em que frases como essa são cada vez mais desgastada. Ao contrário disso, o seu diretor investe totalmente na forma das cenas, no slow motion (que pôde ser visto pela primeira vez no seu longa Anjos Caídos) que caracteriza um romance muito maior, impregnado nas cores e em uma fotografia maravilhosa. Tudo isso me lembra muito Amantes Constantes, dirigido por Phillipe Garrel, que se trata também de um Romance, mas que não tem sequer um beijo, apenas o casal trocando carinhos naquela França efervescente em ideais e lutas de 1968.

Sendo a trilha sonora criada pela própria Norah Jones, Um Beijo Roubado mostra um Kar Wai Wong em seu primeiro filme falado em inglês, mas sem esquecer as suas raízes, sem esquecer as características que o levaram a este nível de aclamado diretor, de vencedor de Cannes e de tantos outros prêmios com os seus filmes. Acostumado a trazer imagens da sua Hong Kong de diferentes maneiras, dessa vez ele procurou investigar o lado sombrio e romântico da cidade de Nova York. Ao dividir a trama de forma episódica, ele erra a mão quando traz uma narração em off de Elizabeth contando o que aprendeu ao final da projeção mas, por outro lado, cria uma trama envolvente, marcada por um forte apelo romântico, sem a pretensão de se enquadrar no gênero.